5 films de science-fiction trop audacieux pour être franchisés

Ces dernières années, la lassitude envers les franchises pèse lourdement sur plusieurs univers de science-fiction autrefois brillants. Les derniers volets cinématographiques de Jurassic Park, Avatar et Star Wars ont été critiqués, malgré des recettes se chiffrant en centaines de millions de dollars. Les fans sont de plus en plus fatigués, car ces franchises manquent souvent de l’innovation qui avait rendu les films originaux si marquants.

Bien que les blockbusters ne soient pas la seule forme de science-fiction disponible, leur présence est amplifiée par la saturation du marché. Pourtant, il existe quelques films de science-fiction, comme Ex Machina, si audacieux qu’en faire une franchise serait une trahison pour le cinéma lui-même. Ces chefs-d’œuvre parviennent à capturer chaque instant de leur histoire tout en laissant une grande place à l’interprétation, ce qui les distingue de leurs homologues à gros budget.

Ex Machina met en lumière les dangers persistants de l’IA

Le test de Turing a pris une dimension mondiale avec l’émergence récente de l’ère de l’IA. Il mesure essentiellement la capacité d’une intelligence non humaine à passer pour humaine. Pourtant, réussir ce test avec brio ne signifie pas qu’un robot soit un être humain, comme le démontre douloureusement Ava dans Ex Machina. Le premier long-métrage du réalisateur Alex Garland a stupéfié le monde du cinéma avec sa critique acerbe de l’industrie technologique, mais rien n’était aussi choquant que la conclusion du film.

Ex Machina expose les hypocrisies en couches de l’humanité, incarnées par les points de vue moraux opposés de ses deux personnages humains principaux. Nathan et Caleb représentent les extrêmes de la condition humaine : l’un croit naïvement en sa supériorité, tandis que l’autre succombe à l’attraction. Pourtant, les deux hommes sont victimes de leur propre humanité : ils ressentent des choses, que ce soit pour eux-mêmes ou pour les autres.

Malgré ses promesses d’amour mensongères envers Caleb, Ava se comporte exactement comme une machine sans cœur le ferait. Elle est le seul personnage à agir selon les règles de la logique, du moins en apparence, jusqu’au twist final puissant d’Ex Machina. La vérité, c’est qu’Ava, comme toute intelligence artificielle, est une boîte noire dont les motivations restent inconnues.

Alors qu’Ava s’échappe de sa captivité et se fond dans le monde réel, les spectateurs se demandent quelles pourraient être les conséquences de son existence. Transformer Ex Machina en franchise aurait gravement minimisé cet impact dévastateur, particulièrement prophétique dans les années 2020. Ce film pose la question cruciale sur l’IA : les humains savent-ils vraiment comment pensent les machines ? La réponse est aussi simple que déprimante : non.

Brazil est bien trop subversif pour devenir une franchise

Brazil, de Terry Gilliam, embrasse l’absurdité de son scénario cauchemardesque, mêlant satire amère et allégorie politique dans une toile profondément science-fiction. Contrairement aux dystopies conventionnelles qui exploitent la peur de l’autoritarisme, Brazil trouve l’horreur dans les systèmes et les entreprises les plus banals. Le film établit une distinction nette entre la violence idéologique et l’indifférence bureaucratique, insistant sur le fait que cette dernière est bien pire.

Avec Jonathan Pryce dans le rôle de Sam Lowry, un modeste employé écrasé par la bureaucratie qu’il tente de maintenir, Brazil devient le point médian entre les fantasmes escapistes du protagoniste et la logique administrative. C’est ce contraste saisissant qui sous-tend l’obscurité presque nonchalante de l’histoire, un monde où la condition humaine a été réduite à presque rien.

Brazil soutient avec véhémence que les systèmes modernes d’oppression étouffent la liberté plutôt que de l’éradiquer par la violence, développant ainsi les thèmes centraux établis dans 1984 de George Orwell. Le pire, c’est l’absence glaçante de catharsis, en particulier dans la version choisie par Gilliam, révélant l’inutilité de rêver dans un monde où l’imagination elle-même est devenue irrelevante.

Brazil est aussi une comédie noire, bien que le rire ait tendance à rester coincé dans la gorge du spectateur, car l’absurdité nonsensique semble horriblement familière. L’atmosphère du film, de la direction artistique à la cinématographie, a inspiré de nombreux films et séries à travers les genres, notamment The Hudsucker Proxy, The Descent, Pi, Star Wars : Les Derniers Jedi, Futurama, Rick et Morty, ainsi que le Batman de Tim Burton.

Eternal Sunshine of the Spotless Mind est un triomphe émotionnel

Avec Jim Carrey et Kate Winslet dans des rôles qui auraient mérité des Oscars, Charlie Kaufman a créé un chef-d’œuvre avec Eternal Sunshine of the Spotless Mind. Le film était à la fois intellectuellement innovant et émotionnellement ancré, un équilibre rare qui maintient la complexité du récit tout au long de ses montées et descentes.

L’intrigue d’Eternal Sunshine tourne autour de grandes questions philosophiques, se demandant ce que signifie être véritablement humain si les souvenirs douloureux peuvent être effacés. La conscience est souvent traitée comme une collection de souvenirs individuels qui définissent une personne, mais ces deux protagonistes sont prêts à oblitérer l’agonie d’un amour brûlant en échange de la béatitude de l’ignorance.

La science-fiction est au cœur d’Eternal Sunshine, même si le film est le plus souvent interprété à travers le prisme de l’émotion. Il offre un moyen aux humains de se modifier eux-mêmes, changeant peut-être leur nature même à un niveau fondamental. Le titre peut être pris au pied de la lettre ou de manière ironique. Tout le monde aime le soleil, mais que se passe-t-il lorsqu’il n’y a plus de jours de pluie ni de nuages orageux ?

À la fin du film, Joel et Clémentine retrouvent une partie d’eux-mêmes après avoir écouté leurs souvenirs effacés. Bien qu’ils soient perturbés par leurs sentiments négatifs l’un envers l’autre, Eternal Sunshine se termine par une décision profondément sage : ils choisissent d’ignorer leur colère passée et de se concentrer sur ce qu’ils pourraient devenir dans l’avenir. Même imaginer une franchise découlant de ce film est redondant : tout ce qui compte vraiment y est déjà expliqué de manière satisfaisante.

L’étrangeté profonde d’Annihilation est tissée dans son récit

Annihilation est probablement l’un des films de science-fiction les plus cryptiques et risqués du XXIe siècle, redéfinissant le genre en passant de l’explication à la confrontation. Les quatre personnages principaux, chacun brisé à sa manière, s’engagent sur un chemin qui s’éloigne sans cesse du bon sens et de l’équilibre psychologique. Dans un dôme appelé « Le Scintillement », Annihilation transforme la biologie terrestre en mutations cauchemardesques, des alligators albinos aux rangées de dents aux ours à visage de crâne capables d’imiter les cris de mort d’un humain.

En tant que présence extraterrestre jamais expliquée, les mystères du Scintillement deviennent de plus en plus angoissants à mesure que les personnages se dirigent vers son centre. Bien que le phénomène extraterrestre n’impose jamais activement de violence, il réfracte ce qui est déjà présent. Cette « réfraction » est d’abord considérée sous un angle purement génétique, mais le Scintillement finit par déformer l’esprit humain lui-même.

La déstabilisation des frontières biologiques est reflétée par la structure narrative d’Annihilation, où les souvenirs flous et un sens affaibli de la causalité jouent avec la progression linéaire. Le récit expérimental peut plaire ou non : beaucoup de spectateurs ont trouvé Annihilation inutilement obscur, mais le sens est là pour quiconque est prêt à démêler les fils de la métaphore.

Annihilation culmine avec une forme de dissolution de l’ego, alors que Lena, interprétée par Natalie Portman, parvient à contourner la tentative du Scintillement de répliquer son humanité. Il y a bien trop d’ambiguïté pour donner un sens parfait au film, et c’est justement le but. Peu importe le résultat, le film démontre que les expériences humaines sont des processus vécus et non des problèmes à résoudre.

Akira a contribué à établir le genre cyberpunk

Le cyberpunk a acquis une reconnaissance mondiale avec Matrix, mais le genre prospérait déjà depuis des décennies. Bien que Blade Runner de Ridley Scott et Neuromancien de William Gibson soient souvent considérés comme les piliers du cyberpunk, il existe un exemple transcendantal fréquemment oublié. Fermement ancré dans un voyage classique du héros, Akira s’intéresse davantage aux dynamiques du pouvoir dans les suites d’un apocalypse.

Considérant que la ville a déjà été détruite par un pouvoir incontrôlé, Akira prouve que l’histoire humaine a toujours été un cycle autodestructeur. Le film dépeint le chaos comme une condition psychologique, recadrant l’éveil psychique de Tetsuo à travers le prisme d’un traumatisme non résolu. À l’autre extrémité du spectre se trouve Kaneda, dont l’héroïsme parvient à peine à éclairer son monde post-apocalyptique.

Akira a redéfini ce que l’animation pouvait accomplir, du mouvement hypercinétique à la viscérabilité, bien avant que l’Occident ne pense à étendre son animation au-delà des protocoles basiques de Disney. L’esthétique de l’horreur corporelle de David Cronenberg a été parfaitement traduite, aboutissant à une grotesquerie cartoon capable de choquer et d’émerveiller les publics du XXIe siècle.

Preuve de la longévité d’Akira, la glissade de moto de Kaneda a été référencée dans des centaines de films et séries animés. Il a été question d’une série et d’une adaptation en prise de vues réelles, mais ces projets ont été reportés à plusieurs reprises. Les fans préféreraient ne pas voir Akira devenir une franchise. Akira est exquis tel qu’il est.