Les 15 meilleurs films dystopiques de tous les temps

L’humanité semble avoir une vision assez sombre de l’avenir, même si c’est entièrement entre nos mains. Les écrivains aiment nous avertir des dangers de la technologie, de la politique et de la fracture sociale.

Il y a tout un genre qui lui est dédié: les films dystopiques, souvent livrés avec un angle de science-fiction futuriste qui peint une sombre issue de ce qui nous attend, nous permettant de voir cette sombre réalité se dérouler sous nos yeux.

Mais au-delà de la simple valeur de divertissement, quels sont les messages plus profonds que nous devons accepter? Voici les meilleurs films dystopiques de tous les temps qui sont profonds, significatifs et importants.

15. WALL-E (2008)

Un film d’animation Pixar peut sembler être une entrée ridicule sur cette liste, mais WALL-E est étonnamment existentiel et dystopique. Le directeur Andrew Stanton ne se contente pas d’enseigner aux enfants à recycler: il dépeint un avenir étrange qui n’est pas différent de notre époque.

Lorsque nous ouvrons une décharge stérile, nous supposons que le message de WALL-E sera de jeter moins de déchets. Cependant, nous apprenons bientôt que le film parle davantage de consumérisme extrême et de cupidité des entreprises, qui ont tous deux transformé la Terre en un désert désolé.

WALL-E est le dernier robot fabriqué par l’humanité dans une tentative de sauvetage de la Terre. En 2085, le plan du robot compacteur de déchets a échoué et l’humanité vit maintenant sur des vaisseaux spatiaux géants.

Mais les allégories ne s’arrêtent pas là! Lorsque WALL-E finit par embarquer sur l’un de ces navires, nous constatons que toute la race humaine est obèse et plane sur des chaises, perpétuellement collées à leurs écrans holographiques.

Les humains ne lèvent jamais les yeux de leurs appareils — à tel point qu’ils ne savent même pas qu’ils sont sur un navire ou comment ils y sont arrivés. S’ils veulent un milkshake, il apparaît comme par magie! WALL-E nous montre à quel point la commodité à la demande est dangereuse.

D’un point de vue spirituel, WALL-E enseigne à New Age et aux croyances bouddhistes l’anti-matérialisme, la présence, la pleine conscience et l’ouverture du troisième œil à la réalité. D’un point de vue catholique, WALL-E et son amie robot EVE replantant la Terre est symbolique du Jardin d’Eden.

14. Hunger Games (2012)

The Hunger Games est assez sévère dans ses critiques de la culture américaine moderne: le classisme, l’exploitation et le consumérisme capitaliste.

La franchise se concentre sur une société post-apocalyptique en l’an 2147, où de vraies personnes sont placées dans un tournoi en direct à mort — tout cela au nom du divertissement de télé-réalité. Ce tournoi est diffusé dans tout le pays pour que tout le monde puisse le regarder.

En réalité, les « Hunger Games » servent de punition pour les 12 districts (qui sont séparés par classe) pour leur tentative de rébellion des années auparavant. La punition est que chaque district doit choisir deux personnes à sacrifier en hommage aux Jeux. Les Jeux sont utilisés comme un outil d’oppression et de campagne de peur par l’élite riche.

La série de livres de Suzanne Collins a été un succès auprès des jeunes lecteurs adultes, puis adaptée dans une franchise de films par Gary Ross. Les quatre films mettent en vedette Josh Hutcherson et Jennifer Lawrence (qui, ironiquement, est elle-même devenue une célébrité avec son succès).

13. Orange mécanique (1971)

Une fois que les gens ont surmonté le facteur de choc de ses scènes graphiques, les spectateurs ont commencé à prendre note du message plus profond dans Orange Mécanique. Le livre original d’Anthony Burgess a été analysé et étudié pendant des décennies, donc nous avons beaucoup de condensation à faire ici.

Essentiellement, Orange Mécanique parle d’un délinquant amoureux qui défend la lutte entre le bien et le mal. Bien qu’Alex (joué par Malcolm McDowell) soit d’une violence controversée et sadique, il est aussi incroyablement intelligent, charmant et sans doute le personnage le plus « vivant ».

L’ingérence du gouvernement dans la société découle de sa volonté de maintenir le pouvoir et la stabilité, et non pas de faire de la société un endroit meilleur. La moralité imposée à Alex (par des méthodes tortueuses) signifie qu’elle ne compte pas vraiment; elle le zombifie plutôt que de le racheter.

Le titre Orange Mécanique fait référence à la transformation d’une bonne chose naturelle (par ex. une orange) en un mécanisme creux. Le gouvernement semi-totalitaire de la dystopie de Stanley Kubrick est prêt à sacrifier le libre arbitre et les droits, annonçant un avenir orwellien qui pourrait nous attendre.

12. Auprès de moi toujours (2010)

Le roman dystopique acclamé de Kazuo Ishiguro est une accumulation de beauté et de légèreté, mélangée à l’horreur et à la peur. L’adaptation cinématographique de Mark Romanek n’est pas différente et capture parfaitement la qualité viscérale et onirique de l’amour au milieu de la science-fiction noire.

Auprès de moi toujours se déroule dans un pensionnat anglais idyllique, où les élèves sont élevés sous surveillance constante et coupés du monde extérieur.

Ce qui n’est pas clair immédiatement — pour les personnages ou les téléspectateurs —, c’est que les élèves sont des clones. Ces clones sont répliqués à partir de citoyens ordinaires et utilisés pour leurs organes lorsqu’ils deviennent adultes.

L’histoire constitue un avertissement contre le libre usage de l’expérimentation scientifique sans aucune considération morale. Au fur et à mesure que la technologie se développe, notre monde est de plus en plus d’accord pour jouer à Dieu, ce qui est toujours un chemin risqué.

11. L’Armée des 12 Singes (1995)

Le thriller de science-fiction de Terry Gilliam a été inspiré par le court métrage de 1962 La Jetée de Chris Marker. L’Armée des 12 singes suit le voyage de James Cole (joué par Bruce Willis) entre des périodes de temps: un avenir dystopique en 2035 et « aujourd’hui » 1996 (ce qui était vrai au moment de la sortie du film).

L’avenir est ravagé par un virus mortel qui force l’humanité sous terre, alors Cole est renvoyé en 1996 pour enquêter sur la cause de l’épidémie—mais il est accidentellement renvoyé en 1990 et incarcéré dans un hôpital psychiatrique.

L’Armée des 12 singes est une histoire dystopique sur l’étude subjective des souvenirs et du temps, nous montrant comment le passé est un état fixe qui ne peut jamais être modifié, peu importe combien nous essayons.

Dans un monde post-COVID-19, les téléspectateurs ont établi des parallèles entre le virus du film et le coronavirus. Dans L’Armée des 12 singes, le virus est délibérément relâché et quiconque pose des questions (comme le personnage anarchique et anti-corporatiste de Brad Pitt) est déclaré fou.

Bien sûr, la théorie selon laquelle la COVID-19 a été créée par l’homme n’est qu’une théorie. Cependant, cela montre à quel point les dystopies cinématographiques peuvent être incroyablement précises, alors que Bruce Willis traverse un monde paranoïaque et infesté de virus rempli de graffitis qui disent « Y a-t-il un virus? Y a-t-il une source? »

10. Metropolis (1927)

Un film clé du mouvement expressionniste allemand, Metropolis est un film de science-fiction très stylisé qui est venu influencer de nombreux autres films de cette liste (y compris Matrix et Blade Runner).

Metropolis a été audacieux et révolutionnaire pour son époque, étant l’un des piliers du cinéma muet précoce. Réalisé par Fritz Lang, il se déroule dans une utopie futuriste où Freder (joué par Gustav Fröhlich) découvre un monde sombre de travailleurs opprimés sous terre.

Lang puise des influences esthétiques du cubisme, du Bauhaus et de l’opéra pendant la période de Weimar. Quant à son allégorie, Metropolis reflète l’état du climat sociopolitique allemand dans les années 1920.

Adapté du roman de Thea von Harbou de 1925, Metropolis offre une représentation visuelle de l’inégalité et de l’exploitation sous la surface brillante de la modernisation. Même au XXIe siècle, cela s’applique toujours.

9. 1984 (1984)

Le terme « orwellien » décrit un état de sombre domination totalitaire. Il vient de George Orwell, qui a écrit un certain nombre de livres, le plus durable étant le roman dystopique allégorique 1984. Il est souvent comparé au Brave New World d’Aldous Huxley, qui explore également la dystopie futuriste sous un angle différent.

Alors que Huxley propose que l’humanité subira un lavage de cerveau en utilisant le plaisir et le matérialisme, Orwell suggère que cela se fera par une censure et un contrôle complets. Le paysage autoritaire d’Orwell en Océanie est largement étudié comme une mise en garde contre le totalitarisme.

Michael Radford a tenté de présenter ce roman classique très détaillé au grand écran. John Hurt joue le rôle de Winston Smith, un « prolo » (ouvrier) dont le travail consiste à réécrire constamment l’histoire sous la direction de Big Brother. Ça vous dit quelque chose, non?

8. Minority Report (2002)

Tom Cruise aime un bon film d’action de science-fiction, et c’est l’un de ses meilleurs. Minority Report, réalisé par Steven Spielberg, est basé sur le roman éponyme de Philip K. Dick de 1956. Cruise joue John Anderton, le chef d’une unité criminelle futuriste qui prédit les crimes avant qu’ils ne se produisent et arrête les auteurs avant qu’ils ne puissent commettre les crimes.

Ces prédictions viennent de trois « précogs » qui ont des capacités psychiques, et l’un d’eux vient prédire que John Anderton lui-même commettra un meurtre dans 36 heures. « La science a volé la plupart de nos miracles », nous avertit Minority Report. Le film est une bataille constante du libre arbitre contre le destin, combinant le monde d’Hollywood avec la philosophie ancienne.

Tout comme L’Armée des 12 singes suggère que le passé est toujours fixe, peut-on en dire autant de l’avenir ? C’est une question intéressante à laquelle Spielberg vous invite à réfléchir, comme il le fait d’habitude.

7. The Lobster (2015)

Yorgos Lanthimos est un auteur avec un style distinct: comédie noire, livraisons sans issue, ambiguïté et cinématographie d’avant-garde.

The Lobster est le premier d’une sorte de trilogie anti-Hollywood, suivie de The Killing of a Sacred Deer et The Favorite. Cela se passe dans un futur surréaliste où les célibataires ont 45 jours pour trouver un partenaire de vie ou ils seront transformés en animal.

Colin Farrell joue le rôle de David, qui est escorté dans un hôtel étrange après que sa femme l’ait quitté. L’hôtel est strict sur ses rituels et oblige ses clients à regarder des vidéos de propagande – et la date limite de tout le monde (littéralement) peut être prolongée en capturant des « célibataires » qui vivent dans la forêt.

The Lobster peut être lu comme un message contre le besoin obsessionnel de la société (et des médias) de trouver un partenaire pour être « complet. »

6. La Planète des singes (1968)

La Planète des Singes est un film emblématique car les spectateurs ne réalisent même pas qu’il se déroule sur une Terre dystopique jusqu’à la fin. Charlton Heston joue Taylor, un astronaute qui s’écrase sur une curieuse planète 2006 ans après son départ de la Terre en 1972. Il est rapidement capturé par un groupe de gorilles armés et mis en prison.

Dans ce monde (dont nous supposons qu’il s’agit d’une planète différente jusqu’à la révélation de la Statue de la Liberté), ce sont les singes qui font toute la conversation tandis que les humains primitifs restent muets. Les thèmes des droits des animaux, de l’immigration et de la race sont symbolisés par les rôles inversés des animaux et des humains.

La planète des singes a eu un grand nombre de remakes et de suites suite à son succès, mais aucun n’a réussi à surpasser l’original.

5. Brazil (1985)

Brazil est un candidat solide pour le meilleur film de Terry Gilliam. C’est certainement son travail le plus complet car le réalisateur ne peut pas faire de pause sur ses projets cauchemardesques! Brazil n’essaie pas de cacher son influence orwellienne, mais il présente tout cela avec une tournure de comédie noire.

Nous avons ici un monde hyper-consumériste et totalitaire qui fonctionne sur un travail abrutissant et une obsession contre nature de la jeunesse. L’humour de Brazil rend sa dystopie inquiétante et déprimante encore plus puissante.

4. Stalker (1979)

Stalker est peut-être le choix le plus effrayant sur cette liste parce qu’il était si précis dans ses prédictions. La science-fiction soviétique d’Andreï Tarkovski est un trophée du cinéma d’art et d’essai, partiellement basé sur le roman de 1972 Roadside Picnic.

Tarkovsky montre son affinité pour le théologique et l’onirique, prenant son rythme lent habituel dans un voyage à travers la « Zone » où les lois de la physique n’existent pas. À l’intérieur de la Zone se trouve « Room », un endroit où vos désirs les plus intimes sont exaucés lorsque vous entrez.

Cette intrigue n’est qu’un cadre de base que Tarkovsky remplit d’une exploration dense et kaléidoscopique de la conscience humaine. Stalker n’est certainement pas un visionnage facile. La zone dangereuse reflète la zone d’exclusion autour de Pripyat en Ukraine après la catastrophe nucléaire de Tchernobyl. Ce qui est effrayant, c’est que Tchernobyl n’est arrivé que 7 ans après la sortie de Stalker.

En fait, si vous faites une visite guidée du site de Tchernobyl, vous constaterez que les étals de nourriture et les boutiques de cadeaux portent le nom de Stalker. Tarkovsky et sa femme sont même morts de contamination d’une usine chimique située près du plateau de Stalker.

3. Les Fils de l’homme (2006)

Les Fils de l’Homme n’est pas un avertissement contre le matérialisme, l’intelligence artificielle, la pollution ou les sujets habituels de la fiction dystopique. Il s’agit des dangers des sentiments anti-immigration et anti-réfugiés. Bien que l’intrigue principale du film soit centrée sur une crise mondiale de l’infertilité, tout se déroule sur fond de gardes-frontières, d’immigrants en cage et de chasses à l’homme.

Aujourd’hui, les images de réfugiés fuyant la guerre, se noyant dans les océans et étant retenus captifs sont de plus en plus similaires aux séquences trouvées dans Les Fils de l’Homme.

Le thriller de science-fiction d’Alfonso Cuarón se déroule en Angleterre, en 2027, qui s’est transformée en État policier après l’effondrement de l’économie et la normalisation du terrorisme. Même la seule femme enceinte dans un monde infertile n’est pas libre de traverser les frontières en toute sécurité sans papiers de transit.

2. Blade Runner (1982)

Blade Runner était un enfer à faire, mais la tension sur le plateau a apparemment aidé avec le ton morne du film. Le paysage urbain surpeuplé et éclairé au néon du classique de science-fiction de Ridley Scott montre les effets néfastes de la surconsommation et de la publicité de masse.

Blade Runner met en vedette Harrison Ford en tant que chasseur de Réplicants (êtres bio-conçus qui ressemblent à des humains) qui se sont échappés. Le Los Angeles dystopique a été inspiré par l’urbanisme de Hong Kong et de Tokyo, donnant une tournure apocalyptique à la vie moderne.

En fait, un plan fixe de Blade Runner pourrait facilement être confondu avec une vraie ville, ce qui n’est pas rassurant.

Il est rare qu’une suite rencontre la barre placée par un original – surtout un film qui est aussi important culturellement que Blade Runner. Mais Denis Villeneuve a réussi avec la suite Blade Runner 2049 avec Ryan Gosling.

1. Matrix (1999)

Peu de films ont eu autant d’impact sur le genre d’action (ou même le cinéma dans son ensemble) que Matrix. La trilogie a révolutionné les séquences d’action sur grand écran avec son utilisation des effets spéciaux élégants et innovant inspiré de l’animation japonaise.

Dans Matrix, tout le monde croit vivre en 1999. En réalité, nous sommes en 2199 et tout le monde marche dans une simulation partagée. Cependant, quiconque est au courant de la simulation est capable de contourner les lois de la nature et de la physique via la programmation.

Keanu Reeves joue Neo, un spécialiste de l’informatique qui est débranché par le rebelle Morpheus. Morpheus offre un choix: la pilule rouge ou la pilule bleue? Prendre la rouge signifie se réveiller à la vérité de la matrice. Prendre la bleue signifie rester endormi dans la simulation.

La matrice oblige les spectateurs à considérer leur propre choix entre le monde réel et le virtuel. Le film explore le rôle du libre arbitre et reconnaît qu’il y a plus dans la vie qu’on ne le pense. Le monde de Matrix est devenu une référence si profondément enracinée dans la culture populaire.